David Keith Lynch (Missoula, Montana; 20 de enero de 1946) es un director de cine, guionista, actor y productor de música electrónica estadounidense. Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la publicidad, la fotografía, e incluso el diseño de mobiliario.
Reconocido admirador de Stanley Kubrick, Jacques Tati, Ingmar Bergman y Werner Herzog, su amor por el dadaísmo y el surrealismo queda patente en algunas de sus películas, cuya misteriosa atmósfera mezcla lo cotidiano con lo soñado, escapando a veces a la comprensión exhaustiva del espectador. Estos rasgos están presentes desde su primer largometraje, Eraserhead (1977). Su segunda película, El hombre elefante (1980), fue un gran éxito crítico y comercial, que recibió ocho nominaciones a los Premios Óscar. Su tercer filme, Dune (1984), no contó con el respaldo de la crítica y supuso un fracaso comercial. Seguidamente dirigió Blue Velvet (1986), con la que volvió a recibir la aclamación crítica y una nueva nominación al Óscar en la categoría de mejor director.
Posteriormente se unió a Mark Frost para crear la serie de televisión Twin Peaks (1990–1991; 2017), que gozó de gran popularidad y apoyo unánime por parte de la crítica, y fue considerada una serie de culto. Con Corazón salvaje (1990) recibió la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes. Su siguiente largometraje fue Twin Peaks: Fire walk with me (1992), una precuela de la serie. Regresó con Lost Highway (1997), un largometraje de suspenso psicológico que, aunque recibió críticas mixtas, en la actualidad es considerada una película de culto. Posteriormente, dirigió el que se considera su filme más accesible, The Straight Story (1999), que contó con gran aclamación de la crítica. Ya en el siglo xxi, realizó Mulholland Drive (2001), una nueva película de suspenso psicológico de estructura no lineal por la que recibió el Premio del Festival de Cine de Cannes al mejor director y su tercera nominación al Óscar como mejor director. Su décimo y último largometraje, que le ocupó varios años de rodaje usando exclusivamente técnicas digitales, ha sido Inland Empire (2006). En la actualidad, algunos de sus proyectos cinematográficos y de animación son solo accesibles a través de su sitio web.
Un elemento recurrente en su cine es describir los entresijos de pequeñas comunidades de Estados Unidos, como es el caso de Blue Velvet o Twin Peaks, sintiendo también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en Lost Highway, Mulholland Drive e Inland Empire. El sonido en sus películas es de gran importancia, y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. El responsable de ese sonido es el compositor Angelo Badalamenti, colaborador habitual del director y creador, entre otras, de la reconocida banda sonora de la serie Twin Peaks, o de la de The Straight Story y Mulholland Drive, ambas nominadas al Globo de Oro. Lynch ha conseguido destacarse según la crítica como uno de los pocos directores actuales con un estilo auténticamente personal y un referente ineludible en el cine contemporáneo.
Werner Herzog (Múnich; 5 de septiembre de 1942) es un director, documentalista, guionista, productor y actor alemán. Sus películas a menudo presentan protagonistas ambiciosos con sueños imposibles, personas con talentos únicos en campos oscuros o individuos que están en conflicto con la naturaleza.
Herzog grabó su primera película en 1961 a la edad de 19 años. Desde entonces ha producido, escrito y dirigido más de sesenta largometrajes y documentales, como Aguirre, la ira de Dios (1972), Herz aus Glas (1976), Nosferatu el vampiro (1979), Fitzcarraldo (1982), Lektionen in Finsternis (1992), Flucht aus Laos (1997), Mi enemigo íntimo (1999), Invencible (2000), Grizzly Man (2005), Encounters at the End of the World (2007), Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans (2009) y Cave of Forgotten Dreams (2010). Ha publicado más de una docena de libros y dirigido algunas óperas.
El cineasta francés François Truffaut llamó una vez a Herzog "el director de cine vivo más importante". El crítico de cine estadounidense Roger Ebert afirmó que Herzog "nunca ha creado una sola película comprometida, vergonzosa, hecha por razones pragmáticas o sin interés", añadiendo que "incluso sus fracasos son espectaculares". La revista Time lo nombró una de las 100 personas más influyentes del mundo en el año 2009.
Dany Laferrière, cuyo nombre original fue Windsor Klébert Laferrière (13 de abril de 1953), es un intelectual, escritor y guionista canadiense, nacido en Puerto Príncipe (Haití). Vive en Montreal, Canadá. Recibió el premio Médicis por su novela El enigma del retorno. Fue nombrado miembro de la Academia Francesa el 12 de diciembre de 2013 para el asiento número 2.
Alfred Joseph Hitchcock (Londres, 13 de agosto de 1899-Los Ángeles, 29 de abril de 1980) fue un director de cine, productor y guionista británico. Pionero en muchas de las técnicas que caracterizan a los géneros cinematográficos del suspenso y el thriller psicológico, tras una exitosa carrera en el cine británico en películas mudas y en las primeras sonoras, que le llevó a ser considerado el mejor director de Inglaterra, Hitchcock se trasladó a Hollywood en 1939.
A lo largo de una carrera que duró más de medio siglo, Hitchcock configuró un estilo cinematográfico distintivo y muy reconocible. Fue innovador en el uso de la cámara para imitar la mirada de una persona, obligando de esta manera a los espectadores a participar de cierta forma de voyeurismo, empleaba encuadres para provocar ansiedad, miedo o empatía y desarrolló una novedosa forma de montaje fílmico. Sus historias a menudo están protagonizadas por fugitivos de la ley y sus actrices protagonistas suelen ser de pelo rubio. Muchos de sus filmes presentan giros argumentales en el desenlace y tramas perturbadoras que se mueven en torno a la violencia, los asesinatos y el crimen. Con frecuencia, los misterios que articulan las tramas no son más que señuelos (Macguffin, como los llamó el propio director) que sirven para hacer avanzar la historia pero no tienen mayor importancia en el argumento. Las películas de Hitchcock también abordan a menudo temas del psicoanálisis y tienen marcadas connotaciones sexuales. Gracias a los cameos en muchos de sus filmes, las entrevistas, los avances publicitarios de sus películas y el programa de televisión Alfred Hitchcock Presenta, el cineasta se convirtió en un icono cultural.
Hitchcock dirigió más de cincuenta películas a lo largo de seis décadas. Reconocido a menudo como el mejor cineasta británico; apareció primero de una encuesta realizada entre los críticos de cine en 2007 por el periódico The Daily Telegraph. El diario lo definió así: «Indudablemente el más grande cineasta nacido en estas islas, Hitchcock hizo más que cualquier otro director para dar forma al cine moderno, que habría sido completamente diferente sin él». La revista MovieMaker lo ha descrito como el director más influyente de todos los tiempos y es ampliamente considerado como uno de los artistas más importantes del séptimo arte.
Martin Charles Scorsese (Nueva York, 17 de noviembre de 1942) es un director, guionista y productor de cine estadounidense. Con una trayectoria que abarca más de cincuenta años, las películas de Scorsese abordan temáticas relacionadas con el catolicismo, la identidad italoestadounidense o la criminalidad, caracterizándose por su violencia, uso del lenguaje vulgar, estar ambientadas en la ciudad de Nueva York y la inclusión de canciones pop, rock y clásicas en la banda sonora. El origen italiano y católico de su familia, su infancia en Little Italy y su afición por el cine italiano y estadounidense de las décadas de 1940 y 1950 influirían en su obra como cineasta.
Durante su formación como cineasta y poco después de graduarse en la Universidad de Nueva York, realizó sus primeros cortometrajes y el largometraje Who's That Knocking at My Door (1967). Posteriormente, captó la atención de la crítica con la cinta de gánsteres Mean Streets (1973), donde el estilo que lo iba a caracterizar como director se hizo evidente. Logró catapultarse como parte del Nuevo Hollywood dirigiendo los filmes dramáticos Taxi Driver (1976) y Toro salvaje (1980), que consolidaron su posición de prestigio gracias su éxito crítico y las candidaturas a diversos galardones, incluyendo el Óscar. Durante esa época además, Robert De Niro comenzó a actuar bajo su dirección, una asociación que se iba a repetir en nueve largometrajes. Después de una década de resultados desparejos, regresó a su mejor nivel como realizador con Goodfellas (1990).
Aunque es conocido por dirigir cintas de gánsteres gracias a la popularidad de Goodfellas, Casino (1995) o El irlandés (2019), Scorsese ha demostrado versatilidad explorando diversos géneros. Su filmografía también comprende el musical New York, New York (1977), las comedias negras El rey de la comedia (1983) y After Hours (1985), el thriller psicológico Cape Fear (1991) y el drama romántico La edad de la inocencia (1993). Su carrera tampoco estuvo exenta de controversias, como la desatada a partir de su retrato de Jesús en La última tentación de Cristo (1988) o la censura sufrida por Kundun (1997) de parte del gobierno comunista chino. Hacia el comienzo del nuevo milenio sus producciones comenzaron a contar con mayores presupuestos, acompañados en algunos casos de éxitos comerciales sin precedentes en su carrera. El drama histórico Gangs of New York (2002) marcó el comienzo de su colaboración con Leonardo DiCaprio, quien actuó en cinco de sus largometrajes, incluyendo la película biográfica El aviador (2004), el thriller policíaco The Departed (2006), el thriller psicológico Shutter Island (2010) y la sátira de humor negro El lobo de Wall Street (2013). Además dirigió el drama de aventuras Hugo (2011) y el drama histórico Silencio (2016).
Tras repetidas nominaciones, Scorsese ganó el Óscar al mejor director gracias a su trabajo en The Departed (2006). Con nueve candidaturas al Óscar como mejor director, es el director vivo con más nominaciones en esa categoría y el segundo en la historia. Además del Óscar, se ha hecho acreedor de múltiples galardones, entre ellos los premios Globo de Oro, BAFTA, Primetime Emmy, SAG, Palma de Oro, el premio del Festival de Cannes al mejor director y el León de Plata a la mejor dirección. El impacto de su cine en la cultura lo ha llevado a transformarse en uno de los directores más influyentes y es, en opinión del crítico de cine Roger Ebert, el «mejor director estadounidense en actividad». Varias de sus películas han sido seleccionadas entre las mejores de todos los tiempos por organizaciones como el American Film Institute o las revistas Sight and Sound y Empire.
Su labor no está limitada a la dirección de largometrajes de ficción. En sus inicios consiguió trabajos como montador, participando en la realización del documental Woodstock (1970), y resultó seleccionado por su mentor John Cassavetes para trabajar como asistente de edición de sonido en Minnie and Moskowitz (1971). Trabajando para la televisión, fue director ejecutivo y dirigió los episodios piloto de las series de HBO Boardwalk Empire (2010) y Vinyl (2016). Como aficionado a la música, ha dirigido una amplia gama de documentales relacionados al tema, incluyendo The Last Waltz (1978), considerado por algunos críticos como uno de los mejores documentales de música de todos los tiempos. También dirigió No Direction Home (2005), Shine a Light (2008), George Harrison: Living in the Material World (2011) y Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story by Martin Scorsese (2019). Asimismo, parte de sus esfuerzos están dedicados a la preservación de películas mediante The Film Foundation, una organización fundada con dichos fines en 1990.
Jean-Christophe Rufin (28 de junio de 1952) es un médico, escritor, académico y diplomático francés, nacido en Bourges, departamento del Cher. Fue elegido en 2008 para la Academia Francesa y ocupa el asiento número 28. Fue presidente de la ONG denominada Acción contra el hambre y ha sido embajador de su país en Senegal y en Gambia.
Es periodista y escritor. Ha desarrollado una amplia labor de investigación y difusión de la ilustración chilena, como cofundador de PLOP! Galería y jefe del Archivo de Láminas y Estampas de la Biblioteca Nacional. Recibió el Premio Municipal de Literatura de Santiago 2018 por su libro La cabeza de Elena, ilustrado por Karina Cocq (Categoría Infantil).
Amaia Arrazola trabaja como freelance y divide su vida/trabajo en tres: ilustración publicitaria, editorial y murales de gran formato. Ha publicado Pequeña y Grande, Audrey Hepburn, de Editoral Alba (2015); Wabi Sabi, un mes en Japón, de Lunwerg Editores (2018) y El Meteorito, editado por Lunwerg Editores (2020), entre otros.