MÚSICA DISPERSA
Apropiación, influencias, robos y remix en la era de la escucha digital

Citas, alusiones, paráfrasis, apropiaciones, collages, arreglos, adaptaciones, covers, versiones, sampleos, remixes y memes; son formas de revisitar músicas preexistentes, apropiarse de algunos de sus elementos y reutilizarlos legítimamente o no, para producir más música. De Hildegard von Bingen a Dj Danger Mouse, todas las culturas musicales de todas las épocas han empleado estos recursos. Pero mientras sus procedimientos son unos cuantos y no han cambiado mucho a lo largo de la historia, su valoración y relación con ideales estéticos, principios legales y discursos de autenticidad y legitimidad artística, se han transformado radicalmente. Si para los compositores de las cortes de Aviñón o Milán del siglo XIV y XV citar ingeniosamente una y otra vez las canciones de los grandes maestros del pasado era un valor estético en sí mismo que les reportaba reconocimiento y prestigio, con las leyes de propiedad intelectual actuales, Beethoven, Schubert o Brahms no serían más que delincuentes comunes.

La escucha digital no se limita a la portabilidad, ubicuidad y recuperación inmediata de nuestros contenidos privados. Es también el acceso súbito, nunca antes visto, a una inconmensurable cantidad de músicas, de tiempos y espacios distantes y dispersos. Es la posibilidad de la escucha en serie, casi simultánea, de varias interpretaciones, arreglos, versiones y variantes de la misma pieza y la percepción directa de parecidos y coincidencias entre músicas distintas cuya detección solía ser prerrogativa exclusiva de especialistas.

Navegar por la red en busca de la canción, versión o interpretación adecuada, nos revela hasta qué punto las nociones de innovación y originalidad, la creación ex novo, el genio solitario que crea un universo personal sin deudas con su pasado o su entorno inmediato, constituye un ideal que a menudo colisiona con las prácticas reales. Música dispersa muestra que la creación musical es menos una epifanía y más una conversación infinita entre creadores de todos los tiempos quienes con sus intercambios, apropiaciones y repeticiones, vertebran su propia civilización musical dotando de significado nuestras experiencias auditivas. Nos lleva de la mano por los entresijos de diversos procesos y registros de reciclaje; analiza críticamente los discursos de autenticidad que han mediado en nuestra relación con lo musical desde el papiro hasta el iPad o el móvil; detalla los diversos pactos perceptuales implícitos con los que “disculpamos” nuestros placeres con la música grabada; pasa lista a los vanos intentos por reducir la música a objetos cerrados, concluidos, y completos y manejables; y propone que el desafío mayor de la reciente remezcla y reciclaje digital no es su aparente saqueo indiscriminado del descomunal archivo musical atesorado en dos mil años y que ahora parece que se nos viene encima, sino su diáfana capacidad para mostrarnos que la música es un fluir indómito cuyo poder y originalidad está mucho menos afincado en su materia física, sus estructuras o componentes, o incluso en la genialidad inconmensurable de creadores, compositores, productores y postproductores. Su valor emana fundamentalmente de nuestra íntima historia personal con cada pieza, obra o canción.

Contenido
1. Introito: de la epifanía al trabajo colaborativo

2. Ser, parecer, aparecer, acceder y conocer la música
2.1. ¿Dónde están las sinfonías cuando no suenan?
2.2. Una obra y muchos seres
2.3. El rock y sus dilemas existenciales
2.4. El jazz: ¿obras o eventos?
2.5. Límites de la ontología musical

3. Fragmentación y dispersión de la unidad musical: apropiaciones, influencias, préstamos,
intertextualidad y reciclaje.
3.1. ¿De quién es la canción? Apropiaciones
3.2. Lo intertextual: una «obra» es un momento de la red
3.3. Reciclaje: del préstamo a la influencia
3.4. Intertextualidad en la música popular urbana
3.5. Intertextualidad en la música de arte occidental
3.6. Rangos de procesos y funciones intertextuales
3.7. Citas
3.8. Reutilización
3.9. Citas expandidas
3.10. Capital musical, idiolectos, campos semióticos
3.11. Intertexto vocal como diccionario
3.12. Intertexto vocal y paseos inferenciales
3.13. Crossover y referencias enmudecidas
3.14. Modelización y alusión
3.15. Inserción por ensamblaje. Quodlibet, popurrí, pasticcio, patchwork, collage
3.16. Intervención en una pieza preexistente: revisiones, versiones, contrafacta, paráfrasis
e intervenciones conceptuales
3.17. Intertextualidad críptica y narrativas transmedia
3.18. Angustia de influencia
3.19. Civilización musical reciclada

4. Música de sonidos fijados: el impacto de la grabación
4.1. Música y tecnología de difusión, almacenamiento y consumo: las etapas
4.2. El impacto de la grabación en la música de arte occidental
4.3. Paradigmas fonográficos en la música clásica: fotografía sonora, la mejor butaca posible
y práctica artística por sí misma
4.4. De la reproducción a la interpretación extendida
4.5. Ideologemas de autenticidad
4.6. Autenticidad fonográficamente inventada
4.7. Autenticidad y paradojas de la grabación en la música popular urbana

5. Covers y versiones en la música popular
5.1. Una definición operativa de la versión
5.2. Funciones de la versión
5.3. El problema del “original”
5.4. Dimensiones de lo «original»
5.5. Tipos fundamentales de versiones
5.6. La versión frente a su referencia
5.7. Reconocimiento de la canción de base
5.8. Modo metatextual de la versión
5.9. Versiones y variantes

6. Reciclaje digital
6.1. De los ritos fonográficos al turntablism
6.2. La era remix
6.3. Reproducción, copia, replicación y replayducción
6.4. Simulacros, hiperrealidad, inmersión e hipermediación
6.5. Deconstrumix: reciclaje deconstructor
6.6. Punctum, cortocircuitos y brecha de paralaje
6.7. Regresividad, reflexividad, discursividad y regeneratividad de la remezcla
6.8. Revolución tecnológica y afirmación de prejuicios

7. Conclusiones: la música entre nosotros

8. Glosario

9. Bibliografía

Índice de nombres y materias